Imágenes enfermas: ¡aquí no hay quien muera!

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Por Carles M. Agenjo

Sorpresa. ¡Boom! Un salto mortal y un aterrizaje perfecto. Balagueró y Plaza descorchan en 2007 un producto innovador que permite un acercamiento al espectador mucho más pronunciado que la mayoría de películas de género. No por el guión, simple y cargado de tópicos, sino porque los personajes establecen una relación íntima con las imágenes que amplía el impacto de lo sobrenatural. Esto se consigue gracias a la titánica interpretación de Ángela Vidal, que transita de la profesionalidad periodística a la explosión emocional interrumpiendo su discurso en directo para susurrarle a Pablo, el cámara, cuál es su estado de ánimo y pidiéndole que, pase lo que pase, no deje de grabar. Este pequeño recurso encuentra su razón de ser a través de la cuarta pared y del diálogo con Pablo mediante gestos que, especialmente en el último tramo del film, amplían el discurso de terro-realidad que Daniel Myrick y Eduardo Sánchez confeccionaron en El proyecto de la bruja de Blair (1999) mediante la imagen de una excursionista llorosa y asustada en medio del bosque.

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Imágenes enfermas: diseccionando la saga “[REC·]”

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Por Carles M. Agenjo

Lo digital es una materia de naturaleza proteica, en constante cambio de forma, capaz de trascender los límites de una pantalla de cine. Un acierto de la saga [REC·] es que, para sus creadores, el concepto “zombi” también lo es. Hijos del Festival de Sitges, Jaume Balagueró y Paco Plaza son dueños de cuatro películas a caballo entre el género puro y el experimento loco como herramienta de exploración audiovisual. No obstante, existe una diferencia de vital importancia, entre la realización de las dos primeras y las dos últimas, que reside en el modo de abordar la angustia. Manuela Velasco, la actriz que interpreta a la reportera Ángela Vidal durante la saga, ofrece una interesante lectura de contrastes. La declaración que pronunció en Sitges en 2007 –año de estreno del primer film– ante la prensa –en el que interpretó un papel “muchas veces a oscuras y sin saber de dónde venían los sustos”– y la declaración de 2014 en el mismo certamen a raíz de la cuarta película –“sabíamos exactamente lo que teníamos que hacer” (…) “cuando Jaume gritaba <<¡monos!>> empezaba la carnicería con la hélice”– saca a relucir un hecho que no sólo afecta a esta última entrega, sino al cine de terror en general.

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“You’ve got the love I need to see me through”

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Por Adriano Calero

Ya lo decía David Wark Griffith: “lo que el cine necesita es belleza, la belleza del viento meciéndose entre las hojas de los árboles”. Es decir, la belleza de lo invisible cuando hace posible lo visible. Quizá sea ese el único error de Paolo Sorrentino en su reciente Youth. Que, en su película, lo visible es de una belleza apabullante, pero el viento ni mucho menos es imperceptible. No es que se haga notar como un pequeño silbido. Más bien, lleva en su intención huracanada el eco de un nombre escrito en mayúsculas: el suyo propio. ¿Cuestión de ego o de estilo?

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Aunque tú no lo sepas, tu oído sí lo sabe

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Por Adriano Calero

Si menciono la palabra “padrino”, muchos pensarán en aquel pariente que hace tiempo ha dejado de visitarles y otros recordarán, a tan solo una semana del lunes de Pascua, que aún están a tiempo de mostrarle a su ahijado el cariño que siempre le han tenido, tal vez con un gran huevo de chocolate. Eso sí, por la mente de los más cinéfilos pasará la obra maestra del año ‘72, o su secuela del ’74 (porque de la tercera parte sería mejor olvidarse). Sin embargo, si en vez de pronunciar tal palabra, tarareo el vals de Nino Rota, todo el mundo se transportará por un instante a una de las fábulas mejor contadas de la historia del cine. Ese es el poder de la música y, evidentemente, el acierto de Rota y Coppola.

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Hábitos oscuros: síntesis de un arquetipo ‘noir’

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Por Carles M. Agenjo

Presentación, preparación y ejecución. Los actos del mercenario se repiten en una estructura tripartita a lo largo de la historia del cine. Desde la etapa clásica hasta la posmoderna, de Contratado para matar (Frank Tuttle, 1942) a Drive (Nicholas Winding Refn, 2011), numerosos son los ejemplos que han articulado este arquetipo en relación al género negro. Las diferencias, quizá, radican tanto en sus gestos como en una mirada que crece y adquiere mayor complejidad a medida que avanza la historia del cine. Una mirada cada vez más deudora de su legado fílmico y, por lo tanto, cada vez más autoconsciente. A continuación, se expone el segundo de los video-ensayos que este servidor confeccionó junto a dos grandes compañeros de trinchera -Estanis Bañuelos y Víctor Blanes- durante el Curso de crítica cinematográfica  del CCCB.

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Taxicrawler o el diálogo entre dos miradas perversas

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Por Carles M. Agenjo

¿Cómo se pueden fusionar las películas Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976) y Nightcrawler (Dan Gilroy, 2014)? Siguiendo la misma línea que Jonathan Rosenbaum y Adrian Martín abrieron con aquella pieza ensayística clave para entender nuestro tiempo, Mutaciones del cine contemporáneo, tres alumnos del Curso de crítica cinematográfica del CCCB -incluido este servidor- han propuesto una posible vía de diálogo entre los protagonistas de ambas películas.

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Al final de la escapada y al principio de la modernidad

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Por Adriano Calero

Cine clásico:

  1. Aquel que respeta las convenciones visuales, sonoras, genéricas e ideológicas establecidas en la tradición norteamericana durante el periodo comprendido entre 1900 y 1960, aproximadamente.
  2. Aquellas obras cinematográficas calificadas como obras de arte según valores estéticos, técnicos, temáticos o éticos.

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Un hombre llamado Dolor

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A pocos días de los Oscars 2016, la cartelera se presenta más generosa que nunca con un abanico de propuestas de lo más ecléctico. A continuación, podéis leer mi reseña sobre una de las grandes candidatas a la estatuilla dorada de esta temporada: El renacido (Alejandro González Iñarritu, 2015). En ella expongo mis impresiones y establezco, entre otras cosas, una arriesgada comparación de carácter trascendental. ¡Déjense llevar!

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Hasta que llegó su madurez

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A continuación, podéis leer, en el magno portal web de un viejo compañero de trincheras, el (extenso) artículo que he dedicado a la nueva obra de Quentin Tarantino: su octava proeza Los odiosos ocho (2015). En ella, además de ahondar hasta lo más profundo de sus moléculas y establecer las más excéntricas comparaciones, trato de glosar cuáles son las claves de esta (nueva) obra maestra y qué posición ocupa ahora el cine de Tarantino a raíz de la misma.

¡Disfrutadlo!

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El sexto regalo

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Ni turrones ni siestas. Un extintor como palabra clave. La incerteza como temática principal y 120 horas de rodaje exprés. El director Pol Diggler y los guionistas Milette Artigas y Ramon Lázaro se han olvidado de lo que significan las navidades tranquilas. El último trabajo de la joven productora Fergaht se titula Espurnes (2015) y ha sido escrito, grabado y editado para un concurso de cortometrajes realizados a contratiempo. Se trata de la III edición del BCN Shopping&Shooting by Creu Coberta.

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Tándem neo-noir: Ha Yu y su incursión en el cine de mafia surcoreano

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¿Qué sucedería si, tras el exitoso estreno de Scarface en 1931, su director Howard Hawks hubiera puesto, sin pretenderlo, al corpus mafioso de Chicago en un grave aprieto? ¿Qué pasaría si hubiera representado los asesinatos perpetrados por Al Capone y sus secuaces de una forma tan parecida a la barbarie real que desestabilizara el sindicato del crimen? El periodista de periodistas Antoni Bassas defendió recientemente en una entrevista que su profesión se define como el hecho de revelar información que otra persona no quiere que se revele.

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Malos tiempos para la épica

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¿Qué pasaría si en Casino (Martin Scorsese, 1995) centráramos el foco de atención, no en el hiperbólico protagonista, sino en uno de los simpáticos veraneantes que aparecen al final de la película penetrando a cámara lenta en el vestíbulo de lo que fue el gran imperio de la mafia? ¿Qué ocurriría si decidiéramos realizar un film sobre uno de los irrelevantes asistentes a la charla sobre estrategias de venta que Leo Dicaprio en la piel de Jordan Belfort pronuncia en el epílogo de El lobo de Wall Street (Ídem, 2013)? Dicho de otro modo, ¿cómo se hace una película sobre la sociedad de masas y la cultura industrial?

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Gafas para sangrar

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En una época como la nuestra, en la que nada (ni nadie) escapa de los discursos críticos, no resulta extraño abordar una película de episodios con el foco de análisis puesto sobre un único segmento de la misma. El interés, por lo tanto, no apuntaría hacia el puzzle, sino hacia una de sus piezas sin tener en cuenta el resto. Me refiero a Noche amateur de David Bruckner, primero de los cuentos terroríficos que se suceden en la muy creativa V/H/S (varios autores, 2012), una película que se puede visionar a continuación.

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La tinta sobre papel produce monstruos

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Encumbrada en el MNAC, entre otros tantos museos del mundo, La gran ola de Kanagawa (1833) –primera de las 36 vistas del Fuji– luce como la más famosa de las estampas japonesas del pintor y grabador Katsushika Hokusai. Igualmente glorificada aparece en una película que versa sobre este autor: Miss Hokusai (Keichii Hara, 2015).

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La noche catalana

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¿Cómo se vive el cine low-cost hoy en día? El equipo de Fergaht Productions, capitaneado por Pol Diggler y Lidia Milette Artigas, lo tiene muy claro: se vive como una gran familia. Esta es la sensación que emana de cada uno de sus escuetos trabajos. Ahora, ante un panorama saturado de académicos ejercicios de género, Fergaht se ha propuesto refrescar una tendencia tan desgastada como la del mockumentary (o falso documental) para darle una última vuelta de tuerca al terror con lo que podría llamarse, como bien ha acuñado el propio equipo, un “faking off”.

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