Esta vez, hablamos para Tot Cerdanyola -muy brevemente, como siempre- sobre el rumbo que ha tomado la animación en los últimos años. ¿Es Pixar el todopoderoso del cartoon? ¿Dónde reside la alternativa a este gigante digital?
Publicamos, con un poco de retraso, otro de los microartículos de la revista en papel Tot Cerdanyola. En esta ocasión, informamos sobre algunos de los grandes estrenos de este verano. Bon estiu a tothom!
Es fácil imaginar las reacciones de gran parte del público ante el posible visionado de una película experimental como La cicatriz interior de Philippe Garrel. Incluso por parte de aquellos que están familiarizados con su imagen y su obra más convencional. Por un lado, muchos pensarán que dicha película es el resultado de una época y sus tendencias (los setenta), de una relación marcada por la bohemia (la del mismo director con la actriz protagonista y también cantante Nico) y, en especial, por el abuso de sustancias psicoactivas durante el proceso creativo (que también las hubo). Pero, lo más importante (y quizá lo más injusto), es que algunos dirán que la película no supera el examen del tiempo ni el de un espectador, esta vez sí, sobrio. Sin embargo, ¿es eso cierto o es una crítica formulada desde la incomprensión?
Nuevo artículo para la revista gratuita en papel Tot Cerdanyola. En esta ocasión, abordamos la cuestión del remake contemporáneo. ¡Pasen y vean!
Recientemente, servidor inició una colaboración con la publicación en papel Tot Cerdanyola. Concretamente, en la sección “Opinions pròpies”. Aunque el espacio concedido sea mínimo, ¡estamos de enhorabuena! La revista contará con un mínimo de 2 o 3 microartículos al mes que aparecerán en las distintas publicaciones de cada semana. Estos textos estarán abiertos a cualquier reflexión de carácter cinematográfico. ¡Disfruten de la lectura!
El final –de una película, saga o serie– será siempre una cuestión delicada. El remake, también. En este sentido, Cuarentena (2008) y [REC·] 4: Apocalipsis (2014) resultan dos ejemplos polémicos. El primero, nueva versión de la original [REC·], es un ejercicio de traducción hollywoodiense con algunas modificaciones superficiales. El segundo, última pieza de la tetralogía de terror creada por Jaume Balagueró y Paco Plaza, traza un nuevo camino más correcto que apasionante, más cuestionable que encomiable.
Aun más autoconsciente que sus predecesoras, esta tercera entrega dirigida únicamente por Paco Plaza en 2012 pierde profundidad de reflexión sobre el medio digital, pero recupera el tono costumbrista de la primera película para ofrecer un tono tremendamente auto-paródico y una cinefilia todavía más expansiva. Tras exprimir a fondo la premisa de [REC·] (2007) y [REC·] 2 (2009) –un reality zombi encapsulado en un contexto urbano/cercano– Plaza cambia de contexto, bloque de pisos por salón de bodas, y desata un humor con ecos al terror dionisíaco de los primeros Sam Raimi y Peter Jackson y una serie de anotaciones a pie de página de lo más cachondas que van de Stanley Kubrick a Quentin Tarantino, pasando incluso por George A. Romero y Arthur Penn.
Impacto. Triunfo. Y un reto en el horizonte: continuar la saga. Dos años después del éxito de [REC·] (2007), su secuela obra el milagro. Funciona como relectura de la misma. Si la original despertó intriga a través de algo tan humano como el miedo a lo desconocido, al igual que Alien (Ridley Scott, 1979); la segunda recuerda, a su vez, a la antológica Aliens: El regreso (James Cameron, 1986), dado que genera expectativas distintas que gravitan en torno a una serie de elementos añadidos de lo más estimulantes: nuevos personajes, jugosos instrumentos de combate, nuevas posibilidades de cámara y una misión antagónica. Ahora no se huye del mal. Se busca.
Ya está aquí Redención, la tercera entrega cinematográfica de Los casos del Departamento Q. Sin embargo, a sabiendas que las tres películas son sendas adaptaciones de la saga literaria del escritor danés Jussi Adler-Olsen, hablar de trilogía tal vea sea un error. Hasta el momento, cinco de las seis novelas publicadas han sido traducidas al español. Por lo que no sería de extrañar que la traducción audiovisual siguiera el mismo camino. Como dice un proverbio árabe, “todo lo que sucede una vez puede nunca más suceder, pero lo que sucede dos veces sucederá con seguridad una tercera”…
Sorpresa. ¡Boom! Un salto mortal y un aterrizaje perfecto. Balagueró y Plaza descorchan en 2007 un producto innovador que permite un acercamiento al espectador mucho más pronunciado que la mayoría de películas de género. No por el guión, simple y cargado de tópicos, sino porque los personajes establecen una relación íntima con las imágenes que amplía el impacto de lo sobrenatural. Esto se consigue gracias a la titánica interpretación de Ángela Vidal, que transita de la profesionalidad periodística a la explosión emocional interrumpiendo su discurso en directo para susurrarle a Pablo, el cámara, cuál es su estado de ánimo y pidiéndole que, pase lo que pase, no deje de grabar. Este pequeño recurso encuentra su razón de ser a través de la cuarta pared y del diálogo con Pablo mediante gestos que, especialmente en el último tramo del film, amplían el discurso de terro-realidad que Daniel Myrick y Eduardo Sánchez confeccionaron en El proyecto de la bruja de Blair (1999) mediante la imagen de una excursionista llorosa y asustada en medio del bosque.
Lo digital es una materia de naturaleza proteica, en constante cambio de forma, capaz de trascender los límites de una pantalla de cine. Un acierto de la saga [REC·] es que, para sus creadores, el concepto “zombi” también lo es. Hijos del Festival de Sitges, Jaume Balagueró y Paco Plaza son dueños de cuatro películas a caballo entre el género puro y el experimento loco como herramienta de exploración audiovisual. No obstante, existe una diferencia de vital importancia, entre la realización de las dos primeras y las dos últimas, que reside en el modo de abordar la angustia. Manuela Velasco, la actriz que interpreta a la reportera Ángela Vidal durante la saga, ofrece una interesante lectura de contrastes. La declaración que pronunció en Sitges en 2007 –año de estreno del primer film– ante la prensa –en el que interpretó un papel “muchas veces a oscuras y sin saber de dónde venían los sustos”– y la declaración de 2014 en el mismo certamen a raíz de la cuarta película –“sabíamos exactamente lo que teníamos que hacer” (…) “cuando Jaume gritaba <<¡monos!>> empezaba la carnicería con la hélice”– saca a relucir un hecho que no sólo afecta a esta última entrega, sino al cine de terror en general.
Ya lo decía David Wark Griffith: “lo que el cine necesita es belleza, la belleza del viento meciéndose entre las hojas de los árboles”. Es decir, la belleza de lo invisible cuando hace posible lo visible. Quizá sea ese el único error de Paolo Sorrentino en su reciente Youth. Que, en su película, lo visible es de una belleza apabullante, pero el viento ni mucho menos es imperceptible. No es que se haga notar como un pequeño silbido. Más bien, lleva en su intención huracanada el eco de un nombre escrito en mayúsculas: el suyo propio. ¿Cuestión de ego o de estilo?
Si menciono la palabra “padrino”, muchos pensarán en aquel pariente que hace tiempo ha dejado de visitarles y otros recordarán, a tan solo una semana del lunes de Pascua, que aún están a tiempo de mostrarle a su ahijado el cariño que siempre le han tenido, tal vez con un gran huevo de chocolate. Eso sí, por la mente de los más cinéfilos pasará la obra maestra del año ‘72, o su secuela del ’74 (porque de la tercera parte sería mejor olvidarse). Sin embargo, si en vez de pronunciar tal palabra, tarareo el vals de Nino Rota, todo el mundo se transportará por un instante a una de las fábulas mejor contadas de la historia del cine. Ese es el poder de la música y, evidentemente, el acierto de Rota y Coppola.
